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O Fireworks

É um software para otimização de imagens e criação de interfaces para web, o Fireworks integra varias ferramentas essenciais para desenvolvedores e disigners de interfaces, com ele você cria bitmap, desenvolve desenhos baseado em vetores, gera paginas em HTML com código JavaScript e possibilidade de visualização da interface final.

Gráficos Vetoriais
Editando um gráfico vetorial você modifica as propriedades das linhas e curvas que descrevem sua forma.

Gráficos de bitmap
Já os gráficos de bitmap são imagens em pixel, ou seja imagens formadas por pontos organizadas em uma grade, como se fosse um mosaico

Cores na Web
É interessante conhecer o funcionamento do monitor e os modelos de cores para melhor desenvolvimento de interfaces para Web, a base do modelo de cores é o RGB, o monitor emite feixes de luz iluminando a cor visualizada.

Bit
O bit é como se fosse um interruptor de liga e desliga, é ele que ativa ou desativa os feixes de luz do monitor, o bit esta relacionado à memória do computador, quanto maior a faixa de cor mais memória é consumida, ate pouco tempo os designers eram obrigados a trabalhar apenas com 256 cores, pois as memórias das placas de vídeos eram muito limitadas.

Cores Hexadecimais
Para trabalhar com cores na Web precisa usar valores hexadecimais, o sistema hexadecimal é derivado de uma base de cálculos 16, números regulares são derivados de uma base de 10.

Revista Super Menina

A Revista Super Menina, que é a mais nova aposta da editora, tem como publico alvo garota de 11 a 15 anos, ela é toda pensada para esse publico, porque como foi constatado pela editora em pesquisas em portas de escolas, que apenas metade das garotas liam a Hiper Teen, essa revista é uma revista feminina focada nos gostos de garotas de 16 a 19 anos, muito lida e muito conceituada, essas garotas de 11 a 15 anos, não liam a Hiper Teen porque elas achavam que as matérias da revista não interessavam, a diretoria da revista em reunião entrou em um consenso e decidiram lançar a Revista Super Menina, voltaram as portas das escolas com outra pesquisa para saber o que interessava a essas garotas e sobre o que elas gostariam de ler. Assim deixando a revista com a cara do publico alvo

Para o lançamento da Revista Super Menina, será feita a divulgação na Hiper Teen que também tem um publico mais jovem, que lêem a revista por falta de opção, porque não tem nenhuma revista voltada para esse publico no mercado, a editora a posta que essa pequena parcela fará com que a nova revista entre com tudo no mercado, porque essas garotas quando passassem a comprar, indicariam para as amigas. Outra parte da divulgação será feita via e-mail, a empresa já entrou em contato com um grande provedor e pagou pra exibir publicidades da revista para as jovens que permitem que o provedor envie propagandas sobre mundo teen, revistas e variedades. Para uma maior divulgação também será criada uma promoção, juntando 10 códigos de barras da revista e enviando para a editora as leitoras estará participando do sorteio de TV,s de Plasma, Secadores, Prancha de Cabelo, Estojo de Maquiagem e bijuterias.

Como a editora constatou em pesquisa que o publico alvo, não pode comprar a revista no valor que a editora pretende arrecadar de lucros, mais se sabe também que essas jovens têm uma grande influencia com os pais para compras, a editora resolveu separar 15% das paginas das revistas para propagandas de produtos juvenis, assim repassando uma parte dos custos para as empresas que desejam divulgar os seus produtos, tornando a revista mais barata e assim podendo vender a mesma por um preço de 3,99. E assim atingindo a sua meta de lucros.

A editora enviara uma quantidade maior de revistas para as bancas que estiverem a menos de um quilometro de escolas de primeiro grau.

Marketing Direto: é um tipo de propaganda direcionada, que visa um publico alvo, com o intuito de diminuir os gastos e aumentar os lucros.

Marketing Interativo: é uma estratégia de marketing voltada para o cliente, buscando atender as necessidades do mesmo

Os 4Ps são:
Produto - é a análise feita para saber qual o potencial de venda de um produto, observado as necessidades dos clientes

Preço - são as decisões de estratégia, para que o preço do produto gere retorno e competitividade no mercado

Promoções - é a maneira de como o produto vai ser divulgado como: Promoções de vendas, sorteios, sorteios, descontos.

Ponto - é a estratégia de posicionar o produto em um bom canal de venda e de distribuição, de modo que o publico alvo encontre facilmente, satisfazendo a sua necessidade.

Segmentação - é a seleção do publico alvo, para identificar os grupos de consumidores potenciais do produto. Seus tipos são geográfico, demográfico, psicográfico e comportamental.

Diferenciação - é a estratégia usada para diferenciar o produto, dando de individualidade ao seu produto, facilitando o cliente o reconhecimento do seu produto. Seus tipos são preço ou vantagem de custo, atributo e beneficio do produto, serviços agregados, canal de distribuição, imagem da marca.

Os benefícios que a internet trouxe para o marketing foram: o e - marketing trouxe uma interação entre a empresa e o cliente, deixou o marketing mais dinâmico, facilitando a customização do serviço

Analise de Site.

Site bom: www.hackerteen.com/pt-br
Atração - Imagens que atraem o tipo de publico que o curso visa
Como usuário – acho de fácil navegação, e muito explicativo
Beleza / Estética – acho que o preto é uma boa escolha para o fundo, pois combina com muitas cores
Legibilidade – tem uma boa visualização, por que o branco e o verde da fonte se destacam sobre o fundo preto
Cores – A maioria dos textos são em cor branco que facilita a leitura sobre o fundo preto, e o verde transmite a idéia de qual é o intuito do curso, que é programação, quem vê logo lembra do filme matrix .

Site ruim: yvettesbridalformal.com
Atração – site muito estranho, pois tem muitas cores, e fotos ate mesmo fotos com palavras em japonês
Como usuário – acho muito chamativo e de difícil entendimento
Beleza / Estética – não tem beleza nenhuma
Legibilidade - muito ruim por que as cores confundem a leitura
Cores- muitas cores juntas que não combinam

Vincent Van Gogh

Começou a atuar profissionalmente ainda jovem, por volta dos 15 anos de idade. Trabalhou para um comerciante de arte da cidade de Haia. Com quase vinte anos, foi morar em Londres e depois em Paris, graças ao reconhecimento que teve. Porém, o interesse pelos assuntos religiosos acabou desviando sua atenção e resolveu estudar Teologia, na cidade de Amsterdã. Mesmo sem terminar o curso, passou a atuar como pastor na Bélgica, por apenas seis meses. Impressionado com a vida e o trabalho dos pobres mineiros da cidade, elaborou vários desenhos à lápis.
Resolveu retornar para a cidade de Haia, em 1880, e passou a dedicar um tempo maior à pintura. Após receber uma significativa influência da Escola de Haia, começou a elaborar uma série de trabalhos, utilizando técnicas de jogos de luzes. Neste período, suas telas retratavam a vida cotidiana dos camponeses e os trabalhadores na zona rural da Holanda.O ano de 1886, foi de extrema importância em sua carreira. Foi morar em Paris, com seu irmão. Conheceu, na nova cidade, importantes pintores da época como, por exemplo, Emile Bernard, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin e Edgar Degas, representantes do impressionismo. Recebeu uma grande influência destes mestres do impressionismo, como podemos perceber em várias de suas telas
Dois anos após ter chegado à França, parte para a cidade de Arles, ao sul do país. Uma região rica em paisagens rurais, com um cenário bucólico. Foi neste contexto que pintou várias obras com girassóis. Em Arles, fez único quadro que conseguiu vender durante toda sua vida : A Vinha Encarnada.
Convidou Gauguin para morar com ele no sul da França. Este foi o único que aceitou sua idéia de fundar um centro artístico naquela região. No início, a relação entre os dois era tranqüila, porém com o tempo, os desentendimentos foram aumentando e, quando Gauguin retornou para Paris, Vincent entrou em depressão. Em várias ocasiões teve ataques de violência e seu comportamento ficou muito agressivo. Foi neste período que chegou a cortar sua orelha.
Seu estado psicológico chegou a refletir em suas obras. Deixou a técnica do pontilhado e passou a pintar com rápidas e pequenas pinceladas. No ano de 1889, sua doença ficou mais grave e teve que ser internado numa clínica psiquiátrica. Nesta clínica, dentro de um mosteiro, havia um belo jardim que passou a ser sua fonte de inspiração. As pinceladas foram deixadas de lado e as curvas em espiral começaram a aparecer em suas telas
No mês de maio, deixou a clínica e voltou a morar em Paris, próximo de seu irmão e do doutor Paul Gachet, que iria lhe tratar. Este doutor foi retratado num de seus trabalhos: Retrato do Doutor Gachet. Porém a situação depressiva não regrediu. No dia 27 de julho de 1890, atirou em seu próprio peito. Foi levado para um hospital, mas não resistiu, morrendo três dias depois.

Principais obras de Van Gogh :
- Os comedores de batatas (1885)
- A italiana- A vinha encarnada
- A casa amarela (1888)
- Auto-retratos
- Retrato do Dr. Gachet
- Girassóis- Vista de Arles com Lírios
- Noite Estrelada
- O velho moinho (1888)
- Oliveiras (1889)

Expressionismo

O expressionismo foi um movimento artístico que surgiu no final do século XIX e início do século XX como uma reação à objetividade do impressionismo, apresentando características que ressaltavam a subjetividade. Suas origens são os desdobramentos do pós-impressionismo, principalmente através de Vincent Van Gogh, Edvard Munch e Paul Klee. De fato, a noção do expressionismo foi empregada pela primeira vez em 1911, na revista Der Sturm ('A Tempestade'), marcando uma oposição clara ao impressionismo francês. A visão expressionista encontra suas fontes na defesa à expressão do irracional, dos impulsos e das paixões individuais. No expressionismo, não há uma preocupação em relação à objetividade da expressão, mas sim, com a exteriorização da reflexão individual e subjetiva dos artistas. Em outras palavras, não se pretende, simplesmente, absorver o mundo e reproduzi-lo, mas sim, recriá-lo. Entre suas características, podemos citar: o distanciamento da figuratividade, o uso de traços e cores fortes, a imitação das artes primitivas, etc. Tal movimento desenvolveu-se grandemente na Alemanha, especificamente no período após a Primeira Guerra Mundial, sendo um importante instrumento para a realização de denúncias sociais, especialmente em um momento que, politicamente, os valores humanos eram o que menos importava. Na América Latina, o movimento manifestou-se como uma via de protesto político. O expressionismo também foi marcante na literatura, cinema e teatro. No Brasil, o movimento encontrou sua máxima representação através da pintura, especialmente por meio de artistas como Anita Malfatti, Lasar Segall e Osvaldo Goeldi.

O Grito

A Angustia

Estilo de Fontes

Moderno

















Manuscrito














Decorativos

















Estilo Antigo

Sem Serifa

Serifa grossa

Cores

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Rodin

Auguste Rodin Nascido François-Auguste-René Rodin, as primeiras esculturas de Rodin foram feitas na cozinha de sua mãe, com massa que ela usava para fazer pão. Aos 14 anos, aquele que seria um dos escultores mais geniais da história da arte, já tinha aulas numa pequena academia. Em pouco tempo era aceito na Escola de Artes Decorativas, sob a orientação de Boisbaudran e de Barye. Ingressou depois na Academia de Belas-Artes, onde conheceu os escultores Carpeaux e Dalou. Trabalhou inicialmente como ornamentista, modelador, prático e cinzelador.

Na contemplação de fragmentos de esculturas clássicas, Rodin compreendeu até que ponto uma parte da obra era capaz de representar o todo dela. Assim, começou fazendo obras cerceadas, por assim dizer, algo que ninguém jamais havia tentado. Exemplo disso são O Homem que Caminha e Torso. No entanto, esses fragmentos de obras não eram produto de um capricho artístico. Na obra A Mão de Deus, há uma ambivalência de significados: a mão divina é na realidade a de um escultor em plena atividade. E foi exatamente o que Rodin tentou plasmar ao longo de toda a sua obra: o momento da criação. É por esse motivo que ele pode ser considerado um verdadeiro impressionista.

O Pensador


Os burgueses de Calais, Londres

Movimento Renascentista

Movimento Renascentista ou apenas Renascimento foi o nome dado ao Renascimento Cultural que aconteceu durante os séculos XIV, XV e XVI na Europa, e que procurava resgatar a cultura esquecida durante os tempos medievais.
As principais características do Renascimento foram o Racionalismo, Experimentalismo, Individualismo e Antropocentrismo. Uma grande característica do Renascimento foi o Humanismo que valorizava o homem, que a partir daí começou a ser tratado como ser racional e posto assim no centro do Universo. O Renascimento também foi marcado por importantes descobertas científicas, notadamente nos campos da astronomia, física, medicina, matemática e geografia.
O Renascimento nasceu na Itália, mais especificamente nas cidades que enriqueceram com o comércio no Mediterrâneo. Porém com a expansão marítima a idéia Renascentista foi divulgada por diversas partes do mundo como na Inglaterra, Alemanha e os Países Baixos.
O Renascimento foi muito importante também, porque foi a principal influencia dos pensadores Iluministas do século XVII.

Chamou-se "Renascimento" em virtude da redescoberta e revalorização das referências culturais da antigüidade clássica, que nortearam as mudanças deste período em direção a um ideal humanista e naturalista. O termo foi registrado pela primeira vez por Giorgio Vasari já no século XVI, mas a noção de Renascimento como hoje o entendemos surgiu a partir da publicação do livro de Jacob Burckhardt A cultura do Renascimento na Itália (1867), onde ele definia o período como uma época de "descoberta do mundo e do homem" [4]. Apesar do grande prestígio que o Renascimento ainda guarda entre os críticos e o público, historiadores modernos têm começado a questionar se os tão divulgados avanços merecem ser tomados desta forma.

O homem vitruviano de Leonardo da Vinci sintetiza o ideário renascentista: humanista e clássico

Morandini

Morandini é designer, ilustrador e artista gráfico brasileiro. Tem trabalhos realizados em diversas áreas e diversos países do mundo. Foi vencedor de uma categoria do Korea Post, concurso de arte em selos. É artista catalogado e tem trabalhos no acervo permanente do Museu de Artes Gráficas (MAG) do Brasil.

Foi um dos artistas selecionados para o São Paulo CowParade, maior exposição de arte pública do mundo. Seu trabalho foi batizado de Muuuwatch e teve o patrocínio da Swatch e vendido em leilão beneficente pelo equivalente a doze mil dólares.

Morandini também foi convidado para realizar o programa de identidade visual para o Pólo Turístico Caminhos do Mar, um imenso parque ecológico na Serra do Mar entre São Paulo e Santos que é uma área de proteção ambiental.

Seu trabalho é fortemente inspirado na Pop Art.

Obra

Escola Bauhaus

foi uma escola de design, artes plásticas e arquitetura de vanguarda que funcionou entre 1919 e 1933 na Alemanha. A Bauhaus foi uma das maiores e mais importantes expressões do que é chamado Modernismo no design e na arquitetura, sendo uma das primeiras escolas de design do mundo.

A escola foi fundada por Walter Gropius em 25 de abril de 1919, a partir da reunião da Escola do Grão-Duque para Artes Plásticas com a Kunstgewerberschule. A maior parte dos trabalhos feitos pelos alunos nas aulas-oficina foi vendida durante a Segunda Guerra Mundial. A intenção primária era fazer da Bauhaus uma escola combinada de arquitetura, artesanato, e uma academia de artes, e isso acabou sendo a base de muitos conflitos internos e externos que se passaram ali.

A Bauhaus congregou importantes criadores de vanguarda, que fixaram algumas diretrizes estéticas que iriam prevalecer em todo o mundo durante o século XX.

Em 1919, o arquiteto alemão Walter Gropius integrou duas escolas existentes na cidade de Weimar, a Escola de Artes e Ofícios, do belga Henri van de Velde, e a de Belas-Artes, do alemão Hermann Muthesius, e fundou uma nova escola de arquitetura e desenho a que deu o nome de Staatliches Bauhaus (Casa Estatal de Construção), com sede em um edifício construído em 1905 por Van de Velde.

As origens mais remotas da Bauhaus provêm do movimento Arts and Crafts, do inglês William Morris, que procurou restabelecer a dignidade medieval do artesanato e do artesão. Todavia, o ensino da Bauhaus opunha-se às concepções de Morris, contrárias à revolução tecnológica e à produção em série. Também não agradava a Gropius o estilo art nouveau, devido a seu caráter decorativo e esteticista. A ascendência mais próxima da Bauhaus está na associação Deutscher Werkbund, fundada em 1907 por Hermann Muthesius para incentivar as relações entre os artistas modernos, os artesãos qualificados e a indústria. Muthesius desejava criar o que chamava de Maschinenstil (estilo da máquina). Gropius, que foi membro da Werkbund, materializou esse objetivo, em grande parte, na Bauhaus.

A Bauhaus combatia a arte pela arte e estimulava a livre criação com a finalidade de ressaltar a personalidade do homem. Mais importante que formar um profissional, segundo Gropius, era formar homens ligados aos fenômenos culturais e sociais mais expressivos do mundo moderno. Por isso, entre professores e alunos havia liberdade de criação, mas dentro de convicções filosóficas comuns. O ensino era suficientemente elástico, com a participação, na pesquisa conjunta, de artistas, mestres de oficinas e alunos. Para Gropius, a unidade arquitetônica só podia ser obtida pela tarefa coletiva, que incluía os mais diferentes tipos de criação, como a pintura, a música, a dança, a fotografia e o teatro. De tal maneira a filosofia da Bauhaus impregnou seus membros que sem demora se definiu um estilo em seus produtos despidos de ornamentos, funcionais e econômicos, cujos protótipos saíam de suas oficinas para a execução em série na indústria. O estilo Bauhaus era fruto do pensamento dos professores, recrutados, sem discriminação de nacionalidade, entre membros dos movimentos abstrato e cubista. Ao iniciar a Bauhaus, Gropius apoiou-se principalmente em três mestres: o pintor americano Lyonel Feininger, o escultor e gravador alemão Gerhard Marcks e o pintor suíço Johannes Itten. A eles se juntaram depois artistas da categoria de Oskar Schlemmer, Paul Klee, Wassili Kandinski, László Moholy-Nagy e Ludwig Mies van der Rohe. Em 1925, Josef Albers e Marcel Breuer passaram a fazer parte do grupo.

Ameaçada de dissolução pela forte oposição dos conservadores a suas inovações, a escola mudou-se em 1925 para Dessau, onde ficou até o advento do nazismo. Para abrigá-la, Gropius projetou e construiu um conjunto de prédios que eram, em si mesmos, um manifesto de arquitetura moderna e uma das mais extraordinárias obras da década de 1920.

As atividades da Bauhaus intensificaram-se em Dessau com o lançamento de publicações e a organização de exposições. Uma clara mentalidade racionalista presidia à elaboração dos projetos. Em 1928, Gropius passou o cargo de diretor ao suíço Hannes Meyer, abandonando a escola, já então consolidada, junto com Moholy-Nagy e Breuer. A nova direção deu realce ainda maior à arquitetura e assistiu à chegada das influências do construtivismo russo. Em 1930, Meyer, cuja postura esquerdista não era bem vista pelas autoridades, foi substituído pelo arquiteto alemão Mies van der Rohe. Este reorganizou a escola e deu-lhe um novo impulso.

Em 1932, com a chegada dos nazistas ao poder em Dessau, a Bauhaus se transferiu para Berlim, onde continuou a funcionar até seu fechamento definitivo em 1933. As possibilidades da vanguarda alemã, com isso, se fecharam também, mas o ensino inovador da Bauhaus já havia se difundido a essa altura nos principais centros de arte. Tal difusão tornou-se ainda maior quando os grandes mestres da escola, devido às perseguições nazistas, passaram a emigrar, principalmente para os Estados Unidos e a Inglaterra.

Em 1928, Sandor Bortink fundou em Budapest o Mühely, também chamado Bauhaus de Budapeste, que existiu até 1938. Em 1933, Josef Albers instalou um departamento do tipo Bauhaus no Black Mountain College (Carolina do Norte, Estados Unidos) e depois na Universidade de Harvard. Em 1937, Moholy-Nagy criou em Chicago a New Bauhaus, mais tarde incorporada ao MIT (Massachusetts Institute of Technology). Gropius passou a lecionar em Harvard e Mies van der Rohe tornou-se um dos principais arquitetos da remodelação de Chicago. Em 1950 inaugurou-se em Ulm, na Alemanha, a Hochschule für Gestaltung (Escola Superior da Forma), dirigida por Max Bill, ex-aluno da Bauhaus de Dessau. A essa última instituição, em especial, coube dar seguimento programático às formulações da antiga Bauhaus -- uma escola que se integrou perfeitamente no contexto da civilização do século XX para dar-lhe uma visualidade própria.

Wassily Kandinsky

Seus primeiros trabalhos exprimiam a musicalidade e o folclore russo, aliás na obra do pintor há muitas referências ao folclore russo. Em Paris, onde viveu por um ano, Kandinsky entusiasmou-se pelas artes aplicadas e gráficas, bem como pelo estilo de pintura dos fauvistas.
A criação de Kandinsky de trabalhos puramente abstractos seguiu um longo período de intenso desenvolvimento e amadurecimento do pensamento teórico baseado nas suas experiências pessoais artísticas. Chamou a esta devoção como beleza interior, fervor de espírito e uma necessidade funda de desejo espiritual, que foi o aspecto principal da sua arte.

Kandinsky aprendeu através de diversos recursos durante a sua juventude em Moscovo. Mas mais tarde na sua vida ele seria lembrado como sendo fascinado e raramente estimulado pela cor como uma criança. O fascínio pelo simbolismo e psicologia da cor continuaram durante o seu crescimento, apesar de parecer nunca ter estudado arte. Em “Looks on the Past” ele relata que as casas e as igrejas eram decoradas com cores tão brilhantes que, uma vez lá dentro, teve a impressão de se estar a mover dentro de uma tela pintada. A experiência e o seu estudo sobre a arte do povo na região, em particular o uso de cores brilhantes sobre fundo negro, refletiu-se nos seus trabalhos mais recentes. Anos mais tarde, ele relacionou o acto de pintar para criar música na maneira que mais tarde viesse a ser mais reconhecido e escreveu “As cores são a chave, os olhos o machado, a alma é o piano com as cordas”. Ele foi similarmente influenciado durante este período pela ópera de Richard Wagner Lohengrin com a qual ele sentiu que quebrou os limites da música e da melodia além do lirismo tradicional.

Kandinsky foi igualmente espiritualmente influenciado por Helena Petrovna Blavastsky (1831-1891), o mais importante exponente da Teosofia nos tempos modernos. A teoria teosófica solicitou que a criação é uma proporção geométrica, começando num único ponto. O aspecto criativo das formas é expressado por uma série descendente de círculos, triângulos e quadrados. Os livros de Kandinsky ecoam estes princípios básicos teosóficos.

O quadro “O Cavaleiro Azul (1903)”, o cavaleiro é um personagem dos contos de fada com o qual Kandinsky teve contato em sua infância, representa o virtuoso combate do bem e do mal, simbolizando luta e renovação. Esta é uma imagem reincidente da fase figurativa do artista.

Em 1908, voltou a Munique. Publicou o ensaio “Do Espiritual na Arte”, em 1911, onde tratou a manifestação artística como expressão de uma necessidade interior.

Fuga, 1914


Moscovo I,1916

David Carson












Internacionalmente considerado um dos designers gráficos mais influentes dos anos de 1990. O trabalho gráfico deste norte-americano é o mais copiado pelos jovens designers, aspirantes a vanguardistas.
David Carson é um designer gráfico norte americano, conhecido pelo seu trabalho inovador em design de revistas. Foi director de arte da revista Ray Gun.
Sem recorrer à estética mais intelectual e refinada que caracteriza Neville Brody, o ex-surfista Carson aposta no facilismo relaxado de quem não tem nada a perder e tudo a ganhar.
O seu modo despreocupado de lidar com tipografia e com arranjos gráficos impacta à primeira vista – para logo entediar à segunda. Os esquemas de David Carson são repetitivos e pouco originais.
No fim dos anos 70, quando Carson dividia seu tempo entre a actividade como docente de sociologia e o surfing. Um workshop de duas semanas introduziu-o ao design gráfico. Tão simples como isso.

Ele é um designer gráfico conhecido sobretudo pelo seu trabalho inovador em design de revistas, mais especificamente pelo modo como usa a tipografia e a fotografia. David Carson é simultaneamente surfista, fotógrafo, tipógrafo, designer gráfico, art director, cineasta, professor, e dono da empresa de design David Carson Design, Inc (com gabinetes em New York e Charleston, SC.). É internacionalmente considerado como um dos designers gráficos mais influentes dos anos 90, porém, inicialmente, foi recebido pela comunidade internacional do design gráfico com severas críticas ao ponto de se discutir se ele pertencia ou não ao mundo do design gráfico. Apesar destas opiniões, o trabalho de Carson foi um sucesso editorial e que influenciou o modo de trabalhar de muitos designers. O seu trabalho caracteriza-se por uma aparente desordem, irracionalidade e falta de coerência mas que, na verdade, é simplesmente o resultado da sua forma intuitiva de trabalhar e comunicar com o público alvo ao qual se destina (que é muitas vezes um público jovem em revistas de Surf). David Carson quebrou muitos paradigmas a nível da estética e da comunicação visual/verbal. O modo como usa a tipografia é uma boa maneira de verificarmos como ele não pensa no lado funcional do design, isto é, ele não tem preocupações com a boa leitura, legibilidade, grelhas, padrões, etc., antes pelo contrário, o seu trabalho é precisamente a negação dessas ideias da velha escola do design gráfico (se quisermos ir ao extremo, temos como exemplo oposto, a Bauhaus). Um bom exemplo do tipo de design de David Carson é a sua utilização da fotografia e da tipografia na paginação do livro Fotografiks (de David Carson e Phillip B. Meggs). Desfolhando o livro, vemos que títulos, textos, fotografias, numeração, etc. parecem movimentar-se livremente e caoticamente pelas páginas. A linguagem que Carson utiliza no seu design baseia-se na velocidade e na “desordem” das informações mas isso traduz a percepção sensorial de mundo que o seu público (principalmente surfistas) tem, que é diferente da das outras pessoas. Para o sucesso do trabalho de David Carson contribuiu a publicidade que vários meios de comunicação fizeram.

Carson não se sente atraído pelo web design. “Acho que, em relação ao design gráfico, o webdesign perde muito de sua força, fica confuso, não segue uma direção muito clara. Além disso, perde-se uma considerável energia no processo, conduzido por softwares mal resolvidos, que coíbem a liberdade de implementar elementos na página, por conta de caixas invisíveis!”,

Mas essas novidades não parecem muito atractivas. Quando questionado se não tem receio de perder espaço no mercado devido ao crescimento da Internet - onde, segundo ele próprio, tudo está baseado – Carson dá de ombros.
“Não vou fazer webdesign porque todos fazem, isso não me dá prazer. Só navego para ver um site específico, e não entendo como as pessoas podem ficar em frente a uma tela procurando por nada! Eu não posso me dar a esse luxo, nem tenho paciência”. percalços e influência

» ( http://www.davidcarsondesign.com/).


Trabalhos

Tarcila do Amaral

Tarsila nasceu e foi criada em um ambiente familiar e de estrutura patriarcal, o que a levou a ter
um comportamento tradicional e também uma curiosidade exagerada pelo “novo”, o desconhecido, vivendo sempre entre o tradicional e o progressista. Sua personalidade de futura pintora é desenvolvida nesses dois pólos, o que também será absorvido pela sua arte . E com o tempo vai formando-se Tarsila, entre a fazenda patriarcal e a casa de São Paulo, entre a meninice da infância e o desenvolvimento paulista. É dessa nova geração que vem Tarsila, assim como Oswald de Andrade, que são antecessores a Primeira Guerra Mundial, formada nos primeiros anos de República e os mais difíceis do país. Anos cheios de agitações com a Revolta da Armada de 1910, a revolta do Forte de Copacabana em 1922 e a Revolução da Aliança Liberal, que culminaria no Tenentismo dos anos 20. Apesar de seu aprendizado ser convencional, o que a lança é a sua curiosidade constante, impulsionando-a fazer sonetos, tocar piano e almejar viajar, principalmente depois do final de seu casamento, sendo que para a época tradicional em que viviam isso era uma revolução na sociedade paulistana. No decorrer da Primeira Grande Guerra, tudo pode ser chamado convencional na literatura e na pintura que se faziam no Brasil. Na literatura reinava o Simbolismo e o Penumbrismo, que caracterizavam essa época de transição entre o Parnaso e o Moderno. Na pintura de Almeida Junior só existia a acadêmica, de valorização temática brasileira de Almeida Junior, ainda que nada tivesse de revolucionário, era o reflexo da escola convencional francesa. Os modernistas estavam loucos para produzir uma arte que retratasse a transformação econômica de uma São Paulo caipira, que trocava carroças por buzinas anunciadoras da modernidade. E nas ruas, uma revolução social estava em curso. Os tenentes rebelavam-se contra a corrupção e o desrespeito à Constituição, provocando, cinco meses mais tarde, o levante no Forte de Copacabana. Com essa vontade acontece a semana de arte moderna em São Paulo,sendo a resposta de todos os modernistas aquela sociedade caipira, foi uma verdadeira revolução e marcou o Brasil para sempre. Depois Tarsila viaja para Paris com suas obras produzidas aqui e tidas como da fase Pau-brasil e realiza exposições lá em Paris e também na Rússia.

Tarsila volta ao Brasil e começa uma nova fase chamada Antropofágica, à partir do quadro que deu de presente a Oswald no seu aniversário, “Abaporu”.É Oswald quem escreve poemas e faz manifestos para as duas fases de Tarsila, além de ser seu companheiro de muitos anos. Concluindo, a vida de Tarsila se resume no que ela produziu e sua obra se resume no que aconteceu na sua vida.

Obras

Tarsila do Amaral, Operários

Tarsila do Amaral, Abaporu

Cubismo

Este movimento artístico tem seu surgimento no século XX e é considerado o mais influente deste período. Com suas formas geométricas representadas, na maioria das vezes, por cubos e cilindros, a arte cubista rompeu com os padrões estéticos que primavam pela perfeição das formas na busca da imagem realista da natureza. A imagem única e fiel à natureza, tão apreciada pelos europeus desde o Renascimento, deu lugar a esta nova forma de expressão onde um único objeto pode ser visto por diferentes ângulos ao mesmo tempo.

O marco inicial do Cubismo ocorreu em Paris, em 1907, com a tela Les Demoiselles d''Avignon, pintura que Pablo Picasso levou um ano para finalizar. Nesta obra, este grande artista espanhol retratou a nudez feminina de uma forma inusitada, onde as formas reais, naturalmente arredondadas, deram espaço a figuras geométricas perfeitamente trabalhadas. Tanto nas obras de Picasso, quanto nas pinturas de outros artistas que seguiam esta nova tendência, como, por exemplo, o ex-fauvista francês – Georges Braque – há uma forte influência das esculturas africanas e também pelas últimas pinturas do pós-impressionista francês Paul Cézanne, que retratava a natureza através de formas bem próximas as geométricas.
Historicamente o Cubismo se dividiu em duas fases: Analítico, até 1912, onde a cor era moderada e as formas eram predominantemente geométricas e desestruturadas pelo desmembramento de suas partes equivalentes, ocorrendo, desta forma, a necessidade de não somente apreciar a obra, mas também de decifra-la, ou melhor, analisa-la para entender seu significado. Já no segundo período, a partir de 1912, surge a reação a este primeiro momento, o Cubismo Sintético, onde as cores eram mais fortes e as formas tentavam tornar as figuras novamente reconhecíveis através de colagens realizadas com letras e também com pequenas partes de jornal.
Na Europa está o maior número de artistas que se destacaram nesta manifestação artística, entre eles os mais conhecidos além dos precursores Pablo Picasso e Braque são: Albert Gleizes, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Robert Delaunay, Roger de La Fresnaye, e Juan Gris.

CUBISMO NO BRASIL Semana de Arte Moderna de 1922
Somente após a Semana de Arte Moderna de 1922 o movimento cubista ganhou terreno no Brasil. Mesmo assim, não encontramos artistas com características exclusivamente cubistas em nosso país. Muitos pintores brasileiros foram influenciados pelo movimento e apresentaram características do cubismo em suas obras. Neste sentido, podemos citar os seguintes artistas : Tarsila do Amaral, Anita Malfatti e Di Cavalcanti.

Pablo Picasso

Di Cavalcanti

Andy Warhol




















Quem é Andy Warhol ? Andrew Warhola (mudou de nome mais tarde, por achar que soava mais americano). era descedente de checos que teve uma infância pobre em Pittsburgh , mas sempre teve a oportunidade de estudar (ele se formou na Carnegie Mellon). Após se formar se mudou para Nova Iorque. Trabalhou no mundo publicitário, criando capas de cds (quem não lembra daquela famosa banana na capa do disco do Velvet Underground?), livros, revistas, e logo obteve muito sucesso, o que lhe abriu possibilidades no mundo da arte.

Vapa do cd do Velvet Underground

Por ser admirador da cultura americana e principalmente, consciente da época em que vivia (anos 50/60), Warhol utilizou como temas o consumismo e as celebridades (que na verdade não passam de suproduto do consumismo).Embora seja considerado por muitos como um pintor, Warhol pintou pouquissímos quadros. Grande parte deles eram serigrafia, e em muitas vezes, Warhol apenas dizia o que queria e outras pessoas executavam a obra. Isso faz de Warhol um dos primeiros artistas conceituais, ou seja, um artista que idealiza uma obra mas não necessariamente a executa. Além de poder criar mais obras (já que ele teria que se preocupar somente com o conceito), a maneira de fazer suas obras refletiriam exatamente aquilo que elas retratam: rápidas, em grande escala e de certa forma impessoal (já que não teria a pincelada de Warhol). Mas notem que mesmo que ele “apenas” idealize uma obra e não a execute diretamente, é extremamente fácil de reconhecer uma obra de Andy Warhol, o que demonstra que mesmo apenas no papel de idealizador, ele conseguiu imprimir um estilo muito pessoal na sua arte.

Essa a grande genialidade desse artista: Warhol, de uma maneira única, captou a essência da segunda metade do século XX.

Warhol desenhou a Coca-Cola em sua obra não só por que é o produto mais vendido, símbolo do capitalismo, mas porque para ele, a Coca era um símbolo de igualdade. Tanto você quanto a Madonna, Tom Cruise ou Britney Spears bebem a mesma Coca-Cola. Não importa a classe social, você sabe que a Coca-Cola que eles bebem tem o mesmo sabor que a sua.
Sempre Coca-Cola.
Também é comum quadros de personalidades famosas repetidas a exaustão. Aí possivelmente ele quer passar a idéia de que essas personalidades são conhecidas por todos, estão em todos os lugares (revistas, TV, Internet), e talvez elas estarem pintadas com varias cores diferentes num mesmo quadro mostre que elas não são necessariamente retratadas pela mídia da maneira que elas realmente são.

Ou seja. são infinitas interpretações que podem ser dadas a seus quadros, o que demonstra que a pop art, embora parece uma arte fácil e rapidamente consumível, é bem mais complexa (e interessante) do que pode aparentar.

Romero Brito

Biografia:

Nascido no Recife, Pernambuco, em 06 de outubro de 1963, no Brasil, aos oito anos começou a mostrar interesse e talento pelas artes. Com muita imaginação e criatividade, pintava em sucatas, papelão e jornal. Sua família o ajudava a desenvolver seu talento natural, dando-lhe livros de arte para estudar. “Eu ficava sentado e copiava Tolouse e outros mestres dos livros, por dias e dias.” Aos 14 anos fez sua primeira exibição pública e vendeu seu primeiro quadro à Organização dos Estados Americanos. Embora encorajado por este sucesso precoce, as circunstâncias modestas de sua vida o motivaram a estabelecer metas e a criar seu próprio futuro. “Na condição de criança pobre no Brasil, tive contato com o lado mais sombrio da humanidade. Como resultado, passei a pintar para trazer luz e cor para minha vida.” Freqüentou escolas públicas, recebeu bolsa de estudos para uma escola preparatória e aos 17 anos entrou para a Universidade Católica de Pernambuco, no curso de Direito. Viajou para a Europa para visitar lugares novos e ver a arte que só conhecia nos livros. Durante um ano pintou e exibiu seus trabalhos em vários países como Espanha, Inglaterra, Alemanha e outros. Quando retornou ao Brasil, seu desejo de ter contato com o mundo ficou ainda mais forte, queria continuar a viajar e mostrar sua arte. Com isso, desistiu do curso de Direito e decidiu ir visitar um amigo de infância, Leonardo Conte, que estava estudando inglês em Miami, nos Estados Unidos. Lá se deu conta que tinha muita empatia com o ritmo acelerado do “american way of life”. A diversa paisagem cultural e a beleza tropical o fizeram lembrar do Brasil. Fez de Miami, então, sua residência permanente. Trabalhou como atendente em lanchonete e lava-rápido, como ajudante de jardineiro e caixa de loja. Durante esse percurso, ele fez muitas amizades e através desses amigos conheceu Cheryl Ann com quem se casou e teve um filho, Brendan Britto. Durante o processo de busca de uma galeria onde pudesse expor sua arte, Romero começou a mostrar seu trabalho nas calçadas de Coconut Grove, na Flórida. Depois chegou até a Steiner Gallery, em Bal Harbour, também na Flórida. Foi nessa galeria que Berenice Steiner e Robyn Tauber começaram a vender seus trabalhos a entusiastas da arte do mundo inteiro. Nesse período, Romero iniciou uma parceria com uma loja que vendia móveis artísticos em Coral Gables, Coconut Grove e Bayside Marketplace, em Miami. Estas lojas começaram a vender suas obras. Sr. Mato, o dono das lojas, ficou tão entusiasmado com as vendas das obras do jovem Romero que decidiu assinar um contrato de aluguel de curto prazo, no então famoso Mayfair Shops, em Coconut Grove. O local a ser alugado era anteriormente um salão de beleza e o Sr. Mato decidiu não renovar o contrato, de tal modo que as obras de Romero Britto foram sendo mostradas entre os equipamentos do salão. Assim se formou o estúdio de Romero. O Sr. Mato deu ao artista a oportunidade de manter a loja até o termino do período de locação. Após o encerramento desse período de 4 meses, Romero assumiu a locação e manteve seu estúdio em Mayfair Shops por 6 anos. Foi no estúdio de Mayfair que Michael Roux, então Diretor Presidente da Absolut Vodka, convidou Romero para criar uma pintura para ser usada em uma nova campanha publicitária da vodka. Trabalharam nesta campanha artistas pop muito conhecidos e conceituados como Andy Warhol, Keith Haring, Kenny Scharf e Ed Ruscha. Romero Britto foi o quinto artista a ser contratado pela Absolut Vodka. Os anúncios publicitários apareceram nas mais importantes revistas da América. Foram 62 publicações nos Estados Unidos. Essas publicações foram distribuídas ao redor do mundo muito rápido e foram vistas por milhares de pessoas. Seguindo a trajetória da Absolut, empresas de renome como a Grand Manier, Pespsi Cola, Disney, IBM e outras interessadas em cultura popular passaram a incorporar as pinturas de Romero Britto em seus projetos especiais. Ao longo desses anos, Romero tem dedicado seu talento, sua arte e sua energia a muitas causas filantrópicas. Usando sua capacidade e influência, oferece oportunidades de arrecadação de fundos para importantes e respeitáveis organizações em vários países.

Obras: